Notas relacionadas con Artista Femenina

El síndrome de Estocolmo ocurre cuando una víctima establece un vinculo afectivo con sus captores. Con la maternidad muchas mujeres se sienten así: con la vida tomada y sin escapatoria. Sin embargo, los secuestradores no son las hijas o los hijos. El perpetrador es el sistema patriarcal que, bajo el relato del amor, oculta las labores que sostienen la vida al tiempo que las explota. Las obras aquí expuestas develan la maternidad como un concepto en disputa. De un lado está la violencia de los órdenes laborales y legales; del otro, las luchas que se entretejen como una marea en torno a las demandas por los derechos reproductivos y las estrategias de cuidado que escapan a la acumulación capitalista. Esta es una muestra sobre la enorme potencia política de la maternidad.

El Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA) anunció la inauguración de Born of Informalismo: Marta Minujín and the Nascent Body of Performance (Nacida del informalismo: Marta Minujín y el cuerpo naciente de la performance), con curaduría de Michaëla de Lacaze Mohrmann. La tercera de una serie de exposiciones sobre el modernismo latinoamericano y sus legados, esta muestra examina el trabajo temprano de la artista pionera Marta Minujín (n. 1943), contemplando su trayectoria desde la pintura y la escultura informalistas hasta la performance.

El Museo de Arte Miguel Urrutia del Banco de la República presenta la exposición Veroír el fracaso iluminado, una retrospectiva que reúne más de 100 obras de la artista chilena Cecilia Vicuña, quien en su obra aborda temas como el medio ambiente, el feminismo, los derechos humanos, la descolonización y la relación entre el arte y la política. La muestra, curada por Miguel López, uno de los curadores más destacados en la escena del arte latinoamericano actual, llega a Colombia gracias al trabajo conjunto del Kunstinstituut Melly (Róterdam) y el Banco de la República. 

La Fundación Cartier presenta “Heliotropo 37", la primera gran exposición en Francia dedicada a la obra de la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide. Reúne más de 200 imágenes desde los años 1970 hasta hoy. Fotografías de las más icónicas a las más recientes, así como una serie en color especialmente producida para la exposición. Si hoy es célebre por sus retratos de los indios del desierto de Sonora, las mujeres de Juchitán o por sus ensayos fotográficos sobre las comunidades y tradiciones ancestrales de México; Graciela Iturbide dirige también una atención casi espiritual a los paisajes y objetos. Mostrando por primera vez estas dos facetas, estos dos puntos de vista de la obra de la artista, la exposición ofrece así una visión renovada y revela su gran contribución al arte fotográfico.

Mientras los viajeros caminan cerca de la puerta D29 del Aeropuerto Internacional de Miami, la pintora residente en Miami Yolanda Sánchez los invita a caminar también a través de un jardín imaginario de construcciones de fibra translúcida de inspiración coreana en colores exuberantes y vibrantes con The Earth Laughs in Flowers (La Tierra ríe con flores), la última exposición en la Galería The Eye Has to Travel (El ojo tiene que viajar) en el MIA.

La propuesta de Heller ha sido seleccionada entre más de 30 anteproyectos presentados en un concurso abierto a través de la Cancillería Argentina y consiste en una video instalación multicanal de animación 3D. El curador del envío es Alejo Ponce de León.

Del 12 de febrero al 29 de mayo de 2022, la Fondation Cartier pour l’art contemporain presenta Heliotropo 37, la primera gran exposición dedicada a la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide en Francia, y que abarca obras que van desde la década de 1970 hasta la actualidad.

La muestra incluye esta pieza de la artista argentina que expone una meta-narrativa del mundo del arte y otras esferas, sus diferentes agentes e interrelaciones.

Para celebrar la ocasión de su 90 cumpleaños, la exposición estará abierta hasta el 13 de febrero de 2022. El objetivo es celebrar la vida y obra de la artista Margarita Cano, nacida en Cuba y radicada en Miami.

TREMOR recoge y revisita las reflexiones en torno a la pintura, el noema cinematográfico y el video experimental que Sandra Rengifo inició en 2016 con la obra Los Lirios del Campo y las Aves del Cielo. Se trata de una suerte de «Neoromanticismo sintético» que abarca las premisas del existencialismo, el devenir de lo cotidiano, la revisita del pasado y el pensarse en el presente: cuerpos que cargan, cuerpos enfermos, cuerpos que cuidan, cuerpos padeciendo la inclemencia.

El hilo es el elemento que protagoniza esta exposición, cada vez más vigente en el arte contemporáneo. Es silencioso por su “designación” como material para las mujeres, reflejado en técnicas como el tejido, el bordado y la costura. La muestra exalta estas actividades tradicionales y enseña cómo artistas de Nigeria, Argentina, Cuba, Estados Unidos y Colombia coinciden en el uso del hilo y el collage en sus obras. La exhibición cuenta con la curaduría de Liliana Becerra, especialista en diseño basada en Los Ángeles y el equipo MAP (Ana Lucía Arbeláez, historiadora del arte, y Sandra Montenegro, directora).

El Museo de Arte Moderno de Bogotá-MAMBO exhibe Estados Vibracionales de Alba Triana.  El público podrá encontrar piezas que indagan en los conceptos de energía y vibración; una línea de investigación que nace de un profundo interés en explorar un mundo intangible.

En una subasta de Sotheby’s, el empresario y coleccionista argentino adquirió Diego y yo (1949) por 34,8 millones de dólares. Así, el óleo se convirtió en la obra más cara en la historia de Frida Kahlo, en la historia del arte latinoamericano, del arte mexicano y de una artista mujer de la región.

Diseñado como un experimento gastronómico inmersivo en Miami, A Fire Offering (Una ofrenda de fuego) cuenta con la curaduría de Sofia Bastidas. Esta instalación y performance de arte objeto es parte del interés de Collective62 por crear un espacio colectivo que fomente la reflexión creativa entre sus residentes.

Con curaduría de Isabella Lenzi, y hasta el 20 de noviembre, se exhibe “Só é possível se formos 2” (Solo es posible si somos dos) en la Sala Fernando Pessoa del Consulado General de Portugal en São Paulo. La muestra promueve un encuentro entre la brasileña Anna Costa e Silva y la portuguesa Fernanda Fragateiro, artistas de diferentes generaciones, prácticas y trayectorias, que coinciden en el deseo de pensar más allá de los límites individuales

El Museo De Pont de los Países Bajos ha adquirido un conjunto de obras de González, figura fundamental del arte latinoamericano. Las obras abordan temas de migración, desaparición y duelo colectivo.

Con el motivo de brindar homenaje a una de las fotógrafas que trabajó por construir la identidad visual argentina, Francisco Medail dedicó la sección Artista Homenaje en BAphoto a Lucrecia Plat. Trabajando con un extenso archivo de retratos, fotografías conceptuales y la colaboración de Clara Nerone, Medail da cuenta del importante rol del archivo en la concepción y valoración del arte contemporáneo.

La obra de Fabiana Barreda, exhibida en BAphoto 2021 en el stand de OdA Arte, amalgama distintos casos y conceptos dentro de la idea de espacio y la política del feminismo. Con referencias a las grandes arquitecturas, y al cuerpo femenino como habitable y habitando, las subjetividades se ponen en cuestión y una vez más la fotografía juego un rol catalizador de acercamiento y extrañamiento en simultáneo.

La muestra es el reflejo de una serie de pinturas de Paz Bardi bajo una temática que es, a la vez, método. Tomando al tiempo como espacio, como herramienta, y como sujeto, la muestra y su curaduría (por felisa) despliegan un tipo de creación que puede resumirse en: 1. Complicidad 2. Arquitectura fantástica 3. Filtración y edición 4. Mediación

En esta edición, tan esperada, la fotógrafa destacada en Artista Homenaje es la argentina Lucrecia Plat. Curada por Francisco Medail, la exhibición recorre gran parte de la producción de Plat en sus cuarenta años de trabajo, entre la cual se destaca la serie de retratos íntimos a Alejandra Pizarnik y los registros nocturnos de la élite porteña.

En su primera exposición individual en el Deering Estate, Amalia Caputo reflexiona acerca de cómo percibimos el entendimiento de lo natural y lo explora a partir de un territorio que gira en torno a sistemas de clasificación visual. "Every Being is an Island" ("Cada ser es una isla”) es una muestra inmersiva que construye un subjetivo y amplio retrato del medioambiente subtropical natural del sur de la Florida.

Es Baluard Museu d'Art Contemporani de Palma exhibe «El archivo del polvo: An Ongoing Project», una revisión exhaustiva de las líneas fundamentales que caracterizan los trabajos de Elena del Rivero (Valencia, 1949) a raíz de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York. La muestra reflexiona sobre la pérdida, la memoria colectiva y el dolor, así como sobre la construcción de los pilares existenciales que conforman las creencias y valores de la sociedad para repensar el futuro.

Sindemia de Voluspa Jarpa es el proyecto ganador de la edición inaugural del Premio Julius Baer a las artistas latinoamericanas, una nueva distinción bienal organizada por el Museo de Arte Moderno de Bogotá – MAMBO y por el Banco Julius Baer. Su misión es reconocer la investigación de destacadas artistas latinoamericanas. Sindemia es un proyecto multimedia in-situ que involucra fotografías, documentos de archivo, videos, mapas, esculturas, objetos, instalación, papel de colgadura y láseres que proyectan más allá del espacio físico del Museo hacia su entorno circundante. El término “Sindemia”, de la medicina, es la metáfora que utiliza Voluspa Jarpa para analizar las violentas manifestaciones sociales que ocurrieron entre octubre del 2019 y marzo del 2020 en Chile.

Lydia Rubio nació en La Habana, Cuba, con el arte en los huesos. Viene de tres generaciones de mujeres pintoras, para ser precisos. "Mi abuela pintaba todos los días, siempre que podía", recuerda Lydia. "Ella trabajaba en una oficina, pero pintaba en la sala de estar. Vivíamos todos juntos en familia, así que yo la veía pintar y me entrené visualmente. Mi prima, todo el mundo dibujaba y pintaba, pero yo fui la única que lo llevó. a otro nivel de desarrollo y compromiso ".

Presentada por Hutchinson Modern & Contemporary, la muestra presenta una selección de la obra de la artista desde la década de 1960 hasta la actualidad. A lo largo de una carrera de setenta años, la artista argentino-estadounidense radicada en Nueva York Raquel Rabinovich (n. 1929, Buenos Aires) ha trabajado con la paradoja de hacer visible lo invisible. Su interés por la mitología, la existencia, la poesía, la naturaleza y la trascendencia se refleja en sus pinturas y dibujos monocromáticos, así como en su práctica escultórica que abarca entornos de vidrio a gran escala e instalaciones de piedra en lugares específicos a lo largo de las orillas del río Hudson.

High Line Art presenta Insectageddon, un festival gratuito de un día concebido por la artista y poeta Cecilia Vicuña. Como una celebración a los insectos y un llamado a la acción para abordar la incipiente extinción mundial de insectos, Insectageddon consistirá en representaciones interdisciplinarias e interactivas, lecturas de poesía, talleres y más en High Line. Tendrá lugar el 25 de septiembre de 2021.

La aclamada artista coreana Kimsooja inaugura el próximo miércoles 22 de septiembre la última parte de la trilogía de exposiciones simultáneas mediante las que desembarcó en Buenos Aires. Capítulo 3: Kimsooja. Una experiencia interior llega al Centro Cultural Coreano de la mano de BIENALSUR 2021, la bienal surgida en la Universidad Nacional de Tres de Febrero que se desarrolla de manera simultánea en más de 124 sedes, 23 países y 50 ciudades del mundo con la participación de alrededor de 400 artistas.

Gertrudes Altschul (1904-1962) fue una figura pionera en la fotografía modernista brasileña. A pesar de ser reconocida en el campo en Brasil, su obra es conocida sólo en círculos especializados, habiendo sido escasamente publicada y exhibida, algo que esta muestra, la primera en un museo, y su publicación pretenden rectificar.

Olga de Amaral ha sido pionera en su propio lenguaje visual dentro del movimiento de las artes textiles. Su experimentación radical con el color, la forma, el material, la composición y el espacio transforma el tejido de un elemento de diseño plano en un componente arquitectónico que desafía los límites de cualquier género o medio.

En el marco de la convocatoria de la edición 109 del Salón Nacional de Artes Visuales 2020-2021 Argentina, Viviana Zargón obtuvo el primer premio no adquisición a la mejor obra en la categoría de Fotografía con su obra Objetos Memorables. La serie se exhibe en una de las dos sedes que albergan el conjunto de 266 obras seleccionadas y que permanecerán abiertas al público hasta el 31 de octubre.